Querido Bestiário

The Vaudeville Animal Acts

2012-02-16T12:54:00.000Z

Vaudeville - "Light Entertainment popular in the U.S. in the late 19th and early 20th centuries. It consisted of 10-15 unrelated acts featuring magicians, acrobats, comedians, trained animals, singers and dancers. The form developed from the coarse variety shows held in beer halls for a primarily male audience. Tony Pastor established a successful "clean variety show" at his New York City Theatre in 1881 and influenced other managers to follow suit. By 1900 chains of vaudeville theatres around the country included Martin Beck's Orpheum Circuit, of which New York Palace Theatre was the most famous".

O Bode Expiatório - William Hunt

2012-02-13T10:42:00.002Z

William Holman Hunt (1827-1910)
O Bode expiatório
The scapegoat (1854-6)
Lady Lever Art Gallery
Port Sunlight, Merseyside, England, UK

"Priolo" - Madalena Boto

2012-02-10T19:49:00.000Z

Priolo from Madalena Boto on Vimeo.

Situada no coração do Atlântico, a ilha de São Miguel (Açores) é conhecida pela extraordinária diversidade de espécies que habita as suas águas. Mas este paraíso subtropical guarda outros tesouros em terra. Nas encostas montanhosas a Leste, encontramos a última mancha de floresta Laurissilva da ilha: o reino de um animal tímido e ameaçado – o Priolo. A ave canora mais rara da Europa.

Nature's Best Photography - Blue Shark

2012-02-08T08:14:00.000Z

Nuno Sá
Blue Shark
Off Faial Island, Azores, Portugal
Oceans Natures Best Photography
Windland Smith Rice International Awards 2011

O Macaco Vermelho - Paula Rego

2012-02-05T06:15:00.000Z

Paula Rego
O Macaco Vermelho Bate na Mulher, 1981
Acrílico sobre papel, 65 x 105 cm
Casa das Histórias Paula Rego, Cascais.

Sim, sim, concorda Paula Rego, ela de facto trata algumas personagens dos seus quadros como se fossem bonecos de vodu (...). Paula Rego é portuguesa, o que segundo algumas pessoas explica tudo. Explica certamente por que levou tanto tempo a entrar no circuito das galerias londrinas. Agora, claro, toda a gente tenta pintar como os primitivos portanto ela de repente começou a ter muita procura, uma figura de culto aos 47 anos.

A obra que despertou a atenção de toda a gente espalha-se pelos seus estúdio, uma espécie de guia das querelas domésticas como no Triunfo dos Porcos. Um macaco vermelho espanca a esposa adúltera que voltou para casa trazendo o bebé de outro. Enquanto o macaco vomita, bêbado, a mulher corta-lhe o rabo. As cores vivas nas disfarçam a selvajaria das momices do teatro de fantoches. A violência parece autêntica, como a ira com que ela estará a rever a sua própria vida.

Não, não é bem a sua vida, cisma ela. É uma espécie equivalente. A série do macaco vermelho veio de uma banda desenhada que costumava aparecer na última página de um jornal espanhol. As personagens eram um marido e uma mulher. Se o marido chega a casa bêbado, a mulher bate-lhe com o rolo da massa. Os homens passavam o dia a vomitar porque bebiam muito. Gosto do aspecto desses homens horríveis a vomitar. Das pessoas a fazerem coisas terríveis umas às outras. É muito grotesco mas é normal. Passa-se em todas as famílias."
A seguir a essas aterradoras bandas desenhadas espanholas havia quebra-cabeças para as crianças solucionarem. "Estavam cheias de cabeças amputadas e olhos. Tínhamos que descobrir o que eram. Eu nunca conseguia resolvê-los. Portanto inventava histórias acerca deles, os meus próprios quebra-cabeças".

Waldemar Januszczak
"Martelando um prego na cabeça", The Guardian, 8 de Maio de 1982.
In Ruth Rosengarten (Ed.) Compreender Paula Rego - 25 Perspectivas, 2004
Fundação de Serralves / Jornal Público, p.24

Man Ray Contemplating Man Ray - William Wegman

2012-02-02T10:09:00.000Z

Source:
Carol Adams (Foreword) In Steve Baker
Picturing the Beast: animal, identity and representation, 2001
The University of Illinois Press, IL

Derby de Epsom - Géricault

2012-01-29T23:10:00.001Z

Théodore Géricault (1791-1824)
Le Derby d'Epsom (1821)
Óleo sobre Tela, 91 x 122 cm
Musée du Louvre, Paris

Um mundo de distância parece separar A Jangada do "Medusa" da descrição de Derby de Epsom que Géricault pintou dois anos mais tarde durante uma estadia em Inglaterra. Em vez da monumentalidade com que encarou um destino humano extremo, aqui ele captou um momento de uma corrida de cavalos, o desporto favorito dos Britânicos e que fascinava um um Géricault entusiasta por cavalos.

O olhar do observador foca-se nos cavalos e nos jockeys, em contraste com os quais os arredores se desvanessem em sumárias, ou fugazes, faixas de cor. Esta mudança de foco serve para realçar a ilusão de velocidade com que os cavalos galopam pela pista de corridas. Mas seria erróneo descrever este quadro apenas como uma espécie de reportagem desportiva. Ele possui de facto esse aspecto, mas devemos lembrar a importância atribuída à iconografia equestre na pintura romântica, em especial em Inglaterra e em França, onde o cavalo adquiriu um significado quase místico. Ele podia figurar como a encarnação de instintos animais ou como encarnação demoníaca de Eros, em regra representante da componente masculina.

Gros, Géricault e Delacroix, nas evocações das campanhas napeónicas, viam entusiasticamente o cavalo como um nobre alazão de batalha, descreviam os contornos fugazes de um fogoso puro-sangue selvagem, ou os músculos retesados de um indomável garanhão árabe. Quando Géricault representou o Derby de Epsom decorrendo sobre um céu tempestuoso que mergulha as cores num estranho crepúsculo, pode ter querido referir-se a uma experiência pessoal verídica, mas o principal efeito é transformar a cena numa perseguição selvagem na qual os cavalos voam, como que em silêncio, sem sequer os cascos tocarem no chão.

A pintura da Era Romântica
Igno F. Walther (Editor)
Tradução: Luísa Rodrigues, Lisboa
Taschen,1999, p.100

Animals in Film - Amores Perros

2012-01-26T10:49:00.000Z

Alejandro Iñarritu's triptych of stories in Amores Perros explores the causes and consequences of a car accident for a number of different people involved and is threaded together by the significance of the relations between dogs and humans on the one hand, and missing fathers on the other. At one level, in keeping with the idea that pets can indeed be substitutes for things lacking in human relations, the dogs can be seen as symbolic. In the first story, the fighting dogs reflect, amongst other things, the aggressive conflict between the two brothers, Octavio and Ramiro; in the second story, the pet dog trapped under the floor of the flat reflects the helplessness of the woman model, Valeria, crippled in the accident; and in the third story, the fighting dog destroys all the other pet dogs of the ex-guerrilla, El Chivo ("the goat" in Spanish), just as his own decision to leave his family for the revolutionary cause has laid waste to their lives as well as his own. There is nothing subtle or concealed about this metaphorical interplay and it works to good effect. But the other dimension of the film lies in the manner in which the dogs actively transform the situations of those about them.

The dog fights give Octavio the possibility of rising above this situation and replacing his brother who is, incidentally, a husband and a father. In the second story the dog trapped under the floor intensifies the misery and loss of the man who has left his wife for Valeria who, as soon as they start their new life together, loses her legs in the car accident. It is the dog that truly catalyses the sense of despair that their situation brings. At the end of the final story, El Chivo, the father, leaves a message of apology and love for his own grown up daughter, whose life he has never been part of, on her answerphone. Having discarded his appearance of shabby tramp for that of the middle-aged academic he would probably have come, he sets off across a desolate wasteland accompanied by the fighting dog, Cofi. There is some sense of redemption to this ending in that he can move on having finally sloughed off some of his past. But the cycles of violence throughout the film, as reflected by the figure of the dog fight, provide an ambivalent message. While the violence might be cathartic in the sense of creating the possibility of freedom, the characters remain trapped in their situations. The motifs of inadequate communication that recur in the film - anonymous phone calls, particularly in the second story, and the answerphone message at the end - seem appropriate in a film in which dogs say so much. It might seem that neither the dog nor the telephone can redeem all these fragmented relationships. Yet, paradoxically, the final shot of the film suggests that, in the bleakest of landscapes, the bond between the man and dog will enable other kinds of transformations in the future.

There is a complex interplay between the emotive simplicity of the animal image, the manner in which it appeals to sentiment and feeling, and its potential for overdetermination at the level of meaning. In Amores Perros, I have only mentioned a few of the many themes in the film and one could go on to explore all sorts of other dimensions through the figure of the dog, such as gender issues within Mexican politics. However, it is important to avoid the conclusion that this multiplicity is the end of the story, the idea that the animal is a tabula rasa.(...) An emotional response to the animal image is in fact integral to its semantics and, rather like the multiplicity of meanings an animal can carry, points to a fractured rather than cohesive view of the animal image. The transformative potential of the animal is one demonstration of this and it gives the animal the role of something like a transitional object. But, as in Amores Perros, those transitions that are enabled by the animal do not always lead to any form of resolution, even if they set human relations on a new and different path.

Jonathan Burt
Animals in Film, 2002
London: Reaktion Books Ltd, pp. 178-179

Nikon Small World Photomicrography Competition #2

2012-01-24T13:06:00.001Z

Nikon Small World Photomicrography Competition 2011
Jan Michels
Marine Copepod (Temora longicornis
Ventral view (10x)
9th. Place

Maneki Neko - O Gato da Sorte

2012-01-20T14:48:00.000Z

Maneki Neko é um boneco de aspecto mimoso, quase piroso. No entanto, esta escultura de um gato branco a acenar (o membro anterior erguido é articulado) está longe de ser um brinquedo de crianças e não é certamente o resultado de nenhuma campanha publicitária. Maneki Neko é, para a cultura tradicional japonesa, um amuleto para ser colocado à porta de cada casa (em especial estabelecimentos comerciais) para dar sorte e evitar tragédias. Diz a wikipedia que a pata direita levantada atrai dinheiro, enquanto a esquerda atrai clientes.

A história deste animal doméstico terá tido a sua origem no templo budista de Gotoku-ji, há mais de 350 anos, durante o período Edo. Diz a lenda que o templo era apenas habitado por um velho e pobre monge que tinha por hábito partilhar a sua parca comida com um gato. Numa noite de tempestade, o gato conseguiu, acenando com a pata, atrair a atenção de um forasteiro que se tinha abrigado numa grande árvore em frente ao templo. No momento seguinte um relâmpago atinge a árvore, quebrando-a e provocando um pequeno incêncio. O homem, que se tratava afinal de um rico senhor feudal, ficou extremamente grato por ter sido salvo pelo gato e presenteou o monge com presentes e influências, trazendo de novo a prosperidade ao mosteiro. Após a morte do gato, foi-lhe construido um altar e feitas estátuas em sua memória. Acredita-se que esse gato seria a reencarnação de Buda.

Mas a natureza felina de Maneki Neko tem uma outra face. Chama-se Bake-Neko e é um terrível gato doméstico, que ensombra as casas onde é mantido. Bake-Neko representa a energia nocturna, feminina e perigosa da espécie felina. Bake-Neko tem assim semelhanças com a deusa egípcia Sakhmet, ao passo que Maneki Neko corresponde à deusa Bastet.

"Mondego" by Daniel Pinheiro

2012-01-17T08:25:00.000Z

"MONDEGO" by Daniel Pinheiro from Daniel Pinheiro on Vimeo.

Synopsis: A river acclaimed by poets and songwriters, closely entwined in the History of Portugal. As its waters merge with the sea, a small stream, hidden in the high mountains of Serra da Estrela, continues to ensure the Mondego breathes life into its great variety of habitats and wildlife.

Cats in Ancient Egypt - Suite101.com

2012-01-13T10:05:00.000Z

The goddesses Bastet and Sekhmet were two aspects of divine power. Sakhmet, the lioness, represented dangerous, potentially destructive forces, whereas Bastet, the feline of the house, incorporated the benevolent aspects of a deity that could be pacified by rituals.
Cats featured prominently in Egyptian jewellery, statuary, and other ornamentation, and also in Egypt’s pantheon of gods and goddesses. The best-known cat goddess, Bast, whose name translates roughly as “Devourer,” was the daughter of the Egyptian sun god Ra. Originally a war goddess, in later years Bast became associated with happiness, sensual pleasures, fertility, and the domestic sphere, providing protection for women, children, and cats.

Royal Ontario Museum Sekhmet, goddess of war and divine vengeance
Carved and plished granite
New Kingdom, 8th Dinasty, Amenhotep III (c.1360bc)

Another Egyptian feline goddess was the lion-headed Sekhmet, or “Powerful One.” Sekhmet, a goddess of pestilence and war, was sent by Ra to punish mankind for their failure to maintain his laws and preserve justice. Ra sent Sekhmet on a rampage, but when he saw the resulting carnage, he repented and requested that she cease her violence. But Sekhmet’s bloodlust would not abate so he doused her path with beer dyed red with pomegranate juice, tricking her into believing that it was blood. Sekhmet gorged on this “blood” and became so drunk that she fell into a deep sleep for several days, after which her violent urges had dissipated. Sekhmet thereafter became a protector of balance and justice. She also had the power to cause disease and to cure it, and so Egyptian physicians were also Sekhmet’s priests.

Things Crazy Cat People Do - Lara Luís

2012-01-10T16:24:00.000Z

Lara Luís
Things Crazy Cat People Do
Exposição Colectiva de Ilustração "CRAZY CAT PEOPLE"

Exposição Colectiva de Ilustração "CRAZY CAT PEOPLE"

2012-01-07T22:35:00.000Z

Ilustradores nacionais e internacionais uniram-se por esta causa, a convite da comissária Lara Luís, ilustradora e amante de gatos. Para esta exposição na Póvoa do Varzim, todos os ilustradores ofereceram obras para serem vendidas com o intuito de ajudar a instituição Gatil Bastet (Terroso), que cuida e acolhe gatos de rua, proporcionando-lhes um novo lar.

Saiba mais aqui.

Nikon Small World Photomicrography Competition

2012-01-05T12:52:00.004Z

Nikon Small World Photomicrography Competition 2011
Igor Simanowicz
Green Lacewing (Chrysopa sp.) 20x
1st. Place

Pequenos Cavalos Amarelos - Franz Marc

2012-01-02T18:18:00.001Z

Franz Marc (1880-1916)
Pequenos Cavalos Amarelos, 1912
Óleo sobre tela, 66 x 104,5 cm
Staatsgalerie, Stuttgard

Três cavalos amarelos, de contornos curvilíneos, dominam o primeiro plano de uma paisagem montanhosa distanciada. O tema principal é a cor, o amarelo representando o elemento feminino passivo, enquanto o vermelho sensual dos flancos dos cavalos contrasta com o azul espiritual do cenário. É este uso de cores luminosas, conjugado com a representação de animais como símbolos de uma força viva e como projecções da imaginação do artista, que torna esta obra de Marc numa das mais memoráveis. A maneira como a cor e os símbolos forma utilizados para expressar os sentimentos profundos do artista é um bom exemplo do trabalho do grupo de artista expressionistas Der Blaue Reiter ("O Cavaleiro Azul"). Os dois membros mais importantes do grupo, Wassily Kandinsky e Marc, inventaram este nome baseados nos seus interesses comuns, como o facto de ambos gostarem de azul. A maioria das pinturas de Marc tinha como temas cavalos, mas a partir de 1912 o seu trabalho tornou-se mais abstracto.

in O Livro da Arte, Texto Editora, 1997, p.300

Diane et Actéon - Klossowski

2011-12-31T21:10:00.000Z

Pierre Klossowski (1905-2001)
Diane et Actéon, 1991-92
Bronze policromado, 245 x 170 x 120 cm
Executada por Jean-Paul Reti, baseada em diversos desenhos de Pierre Klossowski
Museu Colecção Berardo, Lisboa

Saiba mais sobre o mito de Diana e Acteon.

Franz Marc - Pintor Animalista

2011-12-27T00:28:00.001Z

Franz Marc (1880-1916)
Corço num Jardim de Flores (Reh Im Blumengarten), 1913
Óleo sobre tela, 55,3 x 77,4 cm
Kunsthalle Museum, Bremen

Franz Marc, pintor alemão do início do século XX, era na natureza que procurava inspiração e tinha nos animais o seu principal motivo pictórico. Marc foi extremamente influenciado pelas vanguardas francesas (cubismo, fauvismo, pós-impressionismo). Combinou-as com a sua sensibilidade expressionista e uniu-as numa síntese dialéctica, criando algumas das mais pungentes figuras animais em toda a história da pintura! São dele estas palavras: “As pessoas com a sua falta de pureza, especialmente os homens, nunca me despertaram verdadeiros sentimentos. Mas os animais com o seu virginal modo de vida, despertaram tudo o que há de bom em mim.”

A morte precoce de Marc no campo de batalha de Verdun impediu este magnífico pintor de se afirmar como um maior entre os maiores pintores do seu tempo, à semelhança do que aconteceu com Vasily Kandinsky, com quem fundou a comunidade de artistas independentes The Blaue Reiter em 1911. Franz Marc voluntariou-se para a Grande Guerra, sabendo, afirma Kandinsky, que teria o mesmo destino do seu amigo e colega de pintura August Macke, dois anos antes. Segundo Mark Rosenthal a guerra exerceu sobre Marc um fascínio e um temor tão grandes (bem visíveis nas suas derradeiras obras) de que só a morte o poderia libertar.

Observe-se Corço num Jardim de Flores. O animal, de membros aduzidos e pescoço torcido, encontra-se numa posição tensa que subentende um movimento latente. Embora o título nos desperte sentimentos de alegria e serenidade, o resultado final sugere medo e ansiedade. Predominam as cores primárias contrapostas às suas complementares. A figura encontra-se fragmentada e fundida à própria paisagem, diluindo-se e harmonizando-se na profusão de cores e traços diagonais entrecortados. A obra como conjunto é una e indissociável e já não cabe na definição clássica de retrato. As formas curvas suavizam os elementos angulosos e esta dinâmica antecede o próximo passo dos pintores expressionistas: o abstraccionismo puro.

Os animais do presépio - Drummond de Andrade

2011-12-22T15:04:00.002Z

Fra Filippo Lippi (1406-1469)
Natividade (1467-69)
Cattedrale di Santa Maria Assunta
Spoleto, Úmbria, Itália

Os animais do presépio

Salve, reino animal:
todo o peso celeste
suportas no teu ermo.

Toda a carga terrestre
carregas como se
fosse feita de vento.

Teus cascos lacerados
na lixa do caminho
e tuas cartilagens

e teu rude focinho
e tua cauda zonza,
teu pêlo matizado,

tua escama furtiva,
as cores com que iludes
teu negrume geral,

Teu vôo limitado,
teu rastro melancólico,
tua pobre verônica

em mim, que nem pastor,
soube ser, ou serei,
se incorporam num sopro.

Para tocar o extremo
da minha natureza,
limito-me: sou burro.

Para trazer ao feno
o senso da escultura,
concentro-me: sou boi.

A vária condição
por onde se atropela
essa ânsia de explicar-me

agora se apascenta
à sombra do galpão
neste sinal: sou anjo.

Carlos Drummond de Andrade
Antologia Poética, 2001
Lisboa: Publicações Dom Quixote, pp.254-5

O Outro Tigre - Jorge Luís Borges

2011-12-18T17:57:00.000Z

Peter Wenzel (Karlsbad 1745- Roma 1829)
Tigre rugindo, 1920
Óleo sobre tela
Pinacoteca do Vaticano, Roma

Penso num tigre. Esta penumbra exalta
A vasta biblioteca laboriosa
E parece afastar as prateleiras;
Forte, inocente, ensanguentado e novo,
Irá pela sua selva e pela manhã
E marcará seu rasto na lodosa
Margem de um rio cujo nome ignora
(Não há passado nem porvir, nem nomes
No seu mundo, só um instante certo)
E salvará as bárbaras distâncias,
Farejando no entrelaçado labirinto
Entre os odores o odor da alba
E o odor deleitoso do veado.
Por entre as riscas do bambu decifro
Suas riscas, pressinto a ossatura
Debaixo da pele esplêndida que vibra.
Interpõe-se em vão todos os mares
Convexos e os desertos do planeta;
Desta casa de um tão remoto porto
Da América do Sul, te sigo e sonho,
Ó tigre que é das margens do rio Ganges.

Na minha alma escorre a tarde e penso
Que o tigre vocativo do meu verso
É um tigre de símbolos e sombras,
Uma série de tropos literários
E de memórias da enciclopédia,
Não o tigre fatal, a aziaga jóia
Que, sob o sol ou a diversa lua,
Vai cumprindo em Samatra ou em Bengala
A rotina do amor, do ócio da morte.
Ao simbólico tigre eu quis opor
O verdadeiro, o de cálido sangue,
O que dizima a multidão dos búfalos
E hoje, 3 de Agosto de 59,
Alarga na planície uma pausada
Sombra, mas já o facto de o dizer
E de conjecturar-lhe a circunstância
Fá-lo ficção da arte e não criatura
Vivente dessas que andam pela terra.

Procuraremos um terceiro tigre.
Será, tal como os outros, uma forma
Do meu sonho, um sistema de palavras
Humanas, não o tigre vertebrado
Que, para além das vãs mitologias,
Pisa a terra. Bem sei, mas qualquer coisa
Me impõe esta aventura indefinida,
Insensata e antiga, e persevero
Em buscar pelo tempo desta tarde
O outro tigre, o que não está no verso.

Jorge Luis Borges (1899-1986)
O Outro Tigre de "O Fazedor"
Obras completas II
Editorial Teorema, 1998, pp.198-9
Tradução: Fernando Pinto do Amaral

Ver também Dreamtigers.

Cavaleiro atacado por Leão - Delacroix

2011-12-15T10:04:00.001Z

Eugène Delacroix
Cavaleiro árabe atacado por leão, 1849-50
Óleo sobre papel, 43.8 x 38.1 cm
The Art Institute of Chicago

A Caçada ao Leão - Delacroix

2011-12-12T16:44:00.002Z

Eugène Delacroix
A Caçada ao Leão, 1861
Óleo sobre tela, 76,5 x 98,5 cm
The Art Institute of Chicago, Chicago (IL)

Em A Caçada ao Leão encontramos provas da influência que Rubens exerceu em Delacroix. Acorre-nos especialmente uma caçada ao Leão pintada pelo mestre do Barroco em 1621, actualmente na Alte Pinakothek, em Munique. Também esta composição é dominada por guerreiros a cavalo, alguns dos quais atirados ao chão pelos seus cavalos que se empinam e outros, como no quadro de Delacroix, caracterizados como Mouros.
No caso de Rubens, o tema ultrapassa a mera descrição de uma caçada, para adquirir um significado alegórico da vitória do bem sobre o mal. No entanto, comparando-a com esta composição, também podemos ver os extremos a que Delacroix levou a dinâmica composição das figuras e o tratamento pinturesco da cor do mestre do barroco.

Essencialmente, a seguir à sua estadia em Marrocos, Delacroix dedicou numerosos estudos e pinturas ao tema das lutas entre homens e animais selvagens e às forças violentas que elas desencadeavam. Na presente obra, o evento elementar que ocorre numa paisagem costeira é composto em termos de um movimento circular que se repete nas várias cenas, na torção dos corpos das figuras e nos pormenores das roupas e das formações nebulosas.
Um dos árabes jaz morto no chão, dois outros caíram, mas quatro estão em vias de aniquilar as bestas com lanças e sabres. Em fundo, um homem montado num soberbo cavalo precipita-se para a cena.
O céu carregado parece ecoar a luta no solo. Tudo no quadro - caçadores, animais, paisagem - parece selvagem e indomável, e assim a violenta batalha transforma-se numa metáfora para as forças primárias da natureza, das quais, em regiões exóticas do mundo, a humanidade ainda é parte integrante. Tudo isto exemplifica a necessidade fundamental de Delacroix de tratar todos os temas e motivos mais em termos de paixões humanas do que em termos de ideias ou esquemas pré-concebidos. Mesmo os seus temas históricos e exóticos retiram a sua substância desse fervor apaixonado, a força vital que para Delacroix representava a base de toda a existência natural.

A pintura da Era Romântica
Igno F. Walther (Editor)
Tradução: Luísa Rodrigues, Lisboa
Taschen,1999, p.107

Caça ao Tigre

2011-12-09T12:55:00.005Z

Caça ao Tigre
Tapeçaria, 150 x 260 cm (aprx.)
Colecção particular

Dreamtigers - Jorge Luis Borges

2011-12-07T16:19:00.003Z

Franz Marc (1880-1916)
Tiger, 1912
Oil on Canvas, 111 x 111,5 cm
Stadtische Galerie im Lenbachhaus, Munich

Na infância exerci com fervor a adoração do tigre: não a do tigre fulvo dos camalotes do Paraná e da confusão amazónica, mas a do tigre raiado, asiático, real, que só se podem enfrentar os homens de guerra sobre um castelo, em cima de um elefante. Costumava deter-me sem fim diante de uma jaula do Jardim Zoológico; apreciava as vastas enciclopédias e os livros de história natural pelo esplendor dos seus tigres. (Recordo-me ainda dessas figuras: eu, que não posso lembrar-me sem erro da testa ou do sorriso de uma mulher). Passou a infância, caducaram os tigres e a sua paixão, mas ainda estão nos meus sonhos. Nessa napa submersa ou caótica continuam a prevalecer e se não veja-se: adormecido, distrai-me um sonho qualquer e logo sei que se trata de um sonho. Costumo então pensar: isto é um sonho, uma pura diversão da minha vontade, e já que tenho um ilimitado poder, vou causar um tigre.
Ó incompetência! Nunca os meus sonhos sabem engendrar a apetecida fera. Aparece o tigre, isso sim, mas dissecado e débil, ou com impuras variações de forma, ou de um tamamho inadmissível, ou muito fugaz, ou parecido com um cão ou um pássaro.

Jorge Luis Borges (1899-1986)
Dreamtigers de "O Fazedor"
Obras completas II
Editorial Teorema, 1998, p.157
Tradução: Fernando Pinto do Amaral

Ver também o poema Tiger, de William Blake.

Still Life with Rayfish - Chaim Soutine

2011-12-04T23:51:00.001Z

Chaim Soutine (1893 - 1943)
Still Life with Rayfish c. 1923
The Cleveland Museum of Art

Chäim Soutine, who emigrated from Russia to Paris in 1912, painted three versions of this stilllife theme. The motif was inspired by The Rayfish, an 18th-century painting by Jean Baptiste Siméon Chardin in the Musée du Louvre. Soutine, however, reinterpreted Chardin’s picture in a turbulent, luminescent manner that conveys his own intensely emotional reaction to the subject. Every line and form undulates as if propelled by some unseen force. Tied up on two points, as if tortured or crucified, the rayfish assumes an expression of almost human anguish, transforming it into a powerful metaphor for suffering.

Llamas - Ovelhas parecidas com camelos

2011-11-30T19:21:00.000Z

Llama overlooking ruins of Machu Picchu, Peru
Darrell Gulin, Getty Images

"Parece-me que em mais nenhuma parte do mundo existem ovelhas como as que foram encontradas com os Índios, ou de que se ouviu falar. Estas ovelhas fazem parte das criaturas mais excelentes que Deus criou e são extremamente úteis. Parece que a Divina Majestade teve o cuidado de criar estes animais para que as pessoas destas regiões conseguissem viver e sustentar-se, pois estes índios não conseguiriam por qualquer outro meio (e falo dos montanheses do Perú) preservar as suas vidas sem estas ovelhas...

Os nativos chamam llamas a estas ovelhas, e ucros aos machos. Alguns são brancos, outros são pretos, outros são cinzentos. Alguns têm o tamanho de burros pequenos, com pernas longas, com ventres largos e um pescoço com o comprimento e formato do pescoço dos camelos. As cabeças são grandes como como as das ovelhas espanholas. A carne destes animais é muito boa quando são gordos, e os cordeiros são melhores e mais saborosos do que os de Espanha. Os llamas são muito dóceis e transportam pesos com muita facilidade. É verdadeiramente agradável ver os índios de Collao avançarem com aqueles animais e ao entardecer regressarem a casa com eles carregados de lenha. Alimentam-se de erva das planícies e quando se queixam fazem um barulho parecido com o dos camelos."

Pedro de Cieza de Leon
Excerto de Crónica do Peru, 1553

Puppy - Jeff Koons

2011-11-27T17:53:00.001Z

Jeff Koons (USA, b.1955)
Puppy, 1992
Stainless steel, soil, and flowering plants
1,240 x 830 x 910 cm
Guggenheim Museum, Bilbao

See also the statue of de Hachiko.

Painting 1946 - Francis Bacon

2011-11-24T22:13:00.001Z

Francis Bacon
Painting 1946
Oil and tempera on canvas, 198 x 132 cm
The Museum of Modern Art, New York

In Painting 1946, Bacon's first major picture, the fragmentary image of a man sheltering under an umbrella is juxtaposed with the split carcass of a freshly slaughtered bullock. Bacon never really intended to paint this picture: his original plans were very different from the eventual outcome, which surprised him more than any of his other works. To call it a Crucifixion may be streching the term a little too far. Certainly, Bacon must have been thinking of Rembrandt's "crucified" ox but the open umbrella carries a quite different message: its function is precisely to give protection and refuge. Yet whatever labels we attach to it, the work remains profoundly impressive: one can hardly imagine a more terrible and mysterious evocation of unredeemed animal suffering.

Wieland Schmied
Francis Bacon - Commitment and Conflict
Prestel- Verlag, Munich and NY, 1996, pp.79

European Fish Week Photo Exhibition #3

2011-11-21T21:47:00.000Z

Monk Fisk (Lophius piscatorius)
OCEAN 2012
European Fish Week 2011 - Back to the Future
June 4-12 2011

Figure with Meat - Francis Bacon

2011-11-18T20:32:00.002Z

Francis Bacon
Figure with Meat, 1954
Oil on canvas, 129.9 x 121.9 cm
The Art Institute of Chicago

The figures and shapes that Francis Bacon nails to the Cross are always anonymous; there are no redeemers or saviours to be found in his pictures. In the 1950 Crucifixion the wound inflicted on the carcass has even acquired the form of a gaping mouth that flashes its teeth wildly at us. Yet Bacon still seems to have been dissatisfied with his handling of the theme: distorted as it may be, the figure was not close enough to the condition of pure meat for the artist's liking. Instead of continuing his investigation of the Crucifixion motif, he embarked on another series of pictures - the screaming Popes - which, as he stoutly maintained, had nothing to do with religion. Only in one case do these works touch on the theme of the Crucifixion: in the 1954 Figure with Meat, the most gruesome of all the papal portraits. The Holy Father is seated on his ceremonial throne in the cold-room of the slaughterhouse. Immediately behind his head the split halves of a beef carcass dangle from the ceiling. The structure from the ribs is faintly reminiscent of angels' wings. Why, one wonders, is the Pope screaming? Is he protesting against the fact that the Crucifixion has become part of the everyday life, as an endlessly repeated act of torture? Or does he merely wish to be relieved of the burden of witnessing the agony?

Wieland Schmied
Francis Bacon - Commitment and Conflict
Prestel- Verlag, Munich and NY, 1996, p.79

O Talhante Orgulhoso

2011-11-15T16:03:00.000Z

CADE (Part 2): The Good Slaughter: A Proud Meat Cutter Shares His Processing Floor from SkeeterNYC on Vimeo.

Um testemunho em formato de documentário sobre um talhante de Nova Iorque, orgulhoso do seu trabalho e da forma como o faz. Numa época em que a internet serve de plataforma previlegiada para denunciar e atacar, em especial no que diz respeito à forma como os animais são tratados, é revigorante ver um documento que não procura nada disso, retratando sem artifícios o trabalho de um homem, ao mesmo tempo que lhe permite contextualizar a sua prática. A transparência, rigor e simplicidade com que este talhante fala do seu metier só tem paralelo na forma virtuosa como executa as suas funções.

Meat and the Slaughterhouse - Francis Bacon

2011-11-11T14:33:00.001Z

Francis Bacon (1909-1992)
Three Studies for a Crucifixion, March 1962
Oil with sand on canvas, three panels, 198.1 x 144.8 cm each
Solomon R. Guggenheim Museum, New York

The theme of the Crucifixion exercised a strange and disturbing fascination on Francis Bacon (1909-1992) for many years. But its specific impact on his art springs from its confluence with two further factors: on the one hand, the extension of the single picture into the triptych, and on the other, the introduction of the motif of meat, the raw, bleeding flesh of the slaughterhouse and the butcher's slab, a sight that affected Bacon like almost no other and that was to become his personal metaphor of death. (...) Quite simply, he was fascinated by the sight of raw meat. In conversation with David Sylvester in October 1962 he explained:

I've always been very moved by pictures about slaughterhouses and meat, and to me they belong very much to the whole thing of the Crucifixion. There've been extraordinary photographs which have been done of animals just being taken up before they were slaughtered; and the smell of death.

In a further interview with Sylvester, in May 1966, Bacon expanded on this remarkable statement. When asked to comment on the difference between the Cruxifixion and other themes, he replied:

"Well, of course, you're working then about your own feelings and sensations, really. You might say it's almost nearer to a self-portrait. You're working on all sort of very private feelings about behaviour and about the way life is... if you go to some of those great stores, where you just go through those great halls of death, you can see fish and meat and birds and everything else all lying dead there. And, of course, one has got to remember as a painter that there is great beauty of the colour of meat."

John Deakin (1912-1972)
Bacon, 1952
The Condé Nast PL,Vogue

Bacon's feelings about meat - about the butchered carcasses of animals, and also about tortured and mutilated human flesh - were ambivalent. On the one hand, these things fascinated him by their seductive beauty, yet on the other, they served as a solemn reminder of his own mortality:
"Well of course, we are meat, we are potential carcasses. If I go into a butcher's shop I always think it's surprising that I wasn't there instead of the animal."

Wieland Schmied
Francis Bacon - Commitment and Conflict
Prestel- Verlag, Munich and NY, 1996, pp.76-78

BLOGUITE - Mar Azul

2011-11-09T14:05:00.001Z

Fonte: Mar Azul, BLOGUITE

Onça Pintada - Rio Máximo Amazonas

2011-11-06T07:39:00.001Z

Onça Pintada
Viagem Philosofica (1783-1792)
Alexandre Rodrigues Ferreira
Museu Bocage, FCUL
Foto (C): Paulo Cintra e Laura Castro Caldas

A onça é das mais ferozes, e bravas feras do Amazonas. Há diversas espécies deste animal: umas são pardas, outras pintadas; umas vivem nas campinas descobertas, outras não saem dos matos, umas são maiores, e outras menores. Nas mesmas pintadas há diversas castas, porque umas são pretas malhadas todas de amarelo, e outras são esbranquiçadas, e têm as malhas de preto: às primeiras chamam panteras, e às segundas onças: às dos matos e campinas também dão diversos nomes. Também há onças todas pretas, e a estas chamam tigres. Na grandeza também tem muita diversidade; porque umas são como os maiores rafeiros, e cães de fila: outras são como novilhos, e um missionário do mesmo Amazonas referiu que viu com os seus neófitos uma, que era de corpo mais alto que um homem, e na grandeza excedia a qualquer boi; na verdade algumas dão rica pele, que na grandeza se equivoca com as dos maiores touros: estas, são as que na Ásia chamam tigres reais; às menores dão o nome de tigres bibós. Todas porém são casta brava, e tão sagazes, e ladinas, que a raposa à sua vista é animal estólido. Sobem, e atrepam pelas árvores acima melhor, que qualquer gato, e ainda que qualquer homem, e delas fazem tiro à presa com muita ligeireza. É a mais atrevida fera, que criam os matos, e ainda mais que os mesmos leões, abadas, e elefantes; porque os mesmos leões temem ao homem, nem ordinariamente acometem, se não provocados. Mas a onça, nem a animais, nem a racionais teme, acomete intrépida ainda ao maior gigante.

João Daniel sj (1722-1776)
Tesouro Descoberto no Rio Máximo Amazonas
in Anais da Biblioteca Nacional, Vol.95
Rio de Janeiro, 1975-76

Sparrow - Simon & Garfunkel

2011-11-02T21:50:00.000Z

Who will love a little Sparrow?
Who's traveled far and cries for rest?
"Not I," said the Oak Tree,
"I won't share my branches with
no sparrow's nest,
And my blanket of leaves won't warm
her cold breast."

Who will love a little Sparrow
And who will speak a kindly word?
"Not I," said the Swan,
"The entire idea is utterly absurd,
I'd be laughed at and scorned if the
other Swans heard."

Who will take pity in his heart,
And who will feed a starving sparrow?
"Not I," said the Golden Wheat,
"I would if I could but I cannot I know,
I need all my grain to prosper and grow."

Who will love a little Sparrow?
Will no one write her eulogy?
"I will," said the Earth,
"For all I've created returns unto me,
From dust were ye made and dust ye shall be."

2011 Veolia Environment Wildlife Photographer of the Year - Winner

2011-10-30T12:20:00.002Z

Daniel Beltrá (Spain)
Still life in oil
2011 Veolia Environment Wildlife Photographer of the Year
Winner

Crude oil trickles off the feathers of the rescued brown pelicans, turning the white lining sheets into a sticky, stinking mess. The pelicans are going through the first stage of cleaning at a temporary bird-rescue facility in Fort Jackson, Louisiana. They've already been sprayed with a light oil to break up the heavy crude trapped in their feathers, which has turned their normally pale heads orange and their brown and grey feathers mahogany.

Canon EOS 5D Mark II + 35mm f1.4 lens at 35mm; 1/30 sec at f4 (-0.7 e/v); ISO 800.

És um Animal, Viskovitz! - Breve Recensão

2011-10-26T10:02:00.000+01:00

És um animal, Viskovitz!
Tradução: Tiago Guerreiro da Silva
LIVRODODIA Editores, Torres Vedras, 2010

"Por ela já tinha perdido a cabeça". Assim termina a sintética história da vida - efémera mas intensa - de Viscovitz, um jovem louva-a-deus apaixonado (pode lê-la aqui). Esta é apenas uma das 20 fábulas em que Alessandro Boffa recorre ao lugar comum, ao cliché, para depois o desconstruir e assim criar cenários risíveis mas inteligentes sobre as vidas de outros tantos animais. Biólogo de profissão, o autor alia conhecimento científico a imaginação, de modo que, mesmo não sabendo o que é um mantídeo, o leitor não teria dificuldade em identificar a que animal pertence o anterior ritual de acasalamento.

Viscovitz é um personagem eminentemente humano - um anti-herói ? - mas que se metamorfoseia sucessivamente de escorpião a formiga, de camaleão a cão, na busca continuada pelo amor de Ljuba. Esta pulsão sexual é a linha que une todos os quadros retratados e somos assim introduzidos, através do humor, ao difícil mundo da reprodução animal (as desventuras do caracol e do tentilhão são verdadeiramente hilariantes). E, na verdade se pensarmos em termos evolutivos, é isso que conta para a sobrevivência da espécie. Incluíndo a nossa. Já Aristóteles, em História dos Animais, escrevia:

"A vida dos animais pode, então, ser dividida em dois actos: procriação e alimentação; Pois é nestes dois actos que se concentram todos os seus interesses e toda a sua vida. (...) E como tudo o que é conforme com a natureza é agradável, todos os animais buscam o prazer, mantendo a sua natureza.”

Historia Animalium, Livro VIII

Originalmente publicado em 1998 em língua italiana, "Sei una Bestia, Viscovitz!" é um sério trabalho de entretenimento que fará as delícias de todos aqueles que se interessam pelo mundo natural. Nota ainda para o excelente trabalho de tradução de Tiago Guerreiro da Silva já que, apesar da profusão de termos técnicos, o texto não perde a sua melodia e simplicidade.

Frescos em Pompeia

2011-10-24T11:10:00.001+01:00

Ave a debicar figos
Fresco, início da 2ª metade do séc. I d.C.
Torre Annunziata, Itália

Um pássaro (?) a debicar figos é um pormenor de uma parede do Palácio Romano em Oplontis, hoje Torre Anunziata, pequena cidade da província de Nápoles, no sopé do Monte Vesúvio. O fresco fazia parte do palácio da imperatriz Poppaea Sabina, mulher de Nero, e que chegou até aos nossos dias depois de ser sepultado pelas cinzas da erupção de 24 de Agosto do ano 79 d.C.

Carne de vaca esfolada: Chaim Soutine

2011-10-20T08:52:00.003+01:00

Chaim Soutine (1894 – 1943)
Carne de Vaca Esfolada, 1925
Óleo sobre tela, 72.5 x 49.8 cm
Kunstmuseum, Berna

Proponho-me comparar duas interpretações, separadas em quase três séculos, da visão artística de uma carcaça bovina. Em contraponto à representação anterior do mestre holandês "O boi esfolado", proponho “Carne de vaca esfolada” do pintor expressionista (lituano, radicado em França) Chaim Soutine.

Apesar dos estilos marcadamente diferentes, não temos dúvidas em identificar o mesmo motivo nos dois quadros. Ambos aplicam pinceladas livres e difusas mas ao passo que Rembrandt preserva o rigor formal da composição, Soutine pinta como se uma raiva indómita se apoderasse dele. Tudo é confuso e disforme. Não sabemos ao certo qual a perspectiva representada nem como se encontra suspensa a carcaça. Mas isso torna-se secundário pois não são as formas que se impõem mas sim as cores. Os alaranjados da carne sobressaem sobre o seu complementar, o azul, e a carcaça vibra diante dos nossos olhos nos seus tons quentes e mesclados. A tensão cromática projectada em grossas camadas de tinta é a base da expressividade do quadro.

THE DEAR HUNTER

2011-10-17T14:10:00.001+01:00

THE DEAR HUNTER
O Estranho caso do cavalo que deitava raios pelos olhos

"Waiting for the Vet" by Norman Rockwell

2011-10-14T21:04:00.000+01:00

Norman Rockwell
Waiting for the Vet

Throughout Norman Rockwell’s career, dogs of all kinds–from wide-eyed beagles to shiny collies–made frequent appearances in his art. Curator Joyce K. Schiller, Ph.D. will explore the ways that Rockwell cast his canine friends in cover paintings, story illustrations, and holiday cards. The lecture is being held in conjunction with the Museum’s current exhibition It’s a Dog’s Life: Norman Rockwell Paints Man’s Best Friend. Free with Norman Rockwell Museum, admission through November 11, 2011.

See also Bedside Manner and The Veterinarian.

O boi esfolado - Rembrandt

2011-10-09T22:31:00.003+01:00

Rembrandt van Rijn (1606-1669)
Boi Esfolado, 1655
Óleo sobre madeira, 94 x 69 cm
Musée du Louvre, Paris

As cenas de matadouro, como motivo pictórico, podem nos parecer hoje inusitadas mas foram um tema recorrente na pintura flamenga e do norte da Europa. Representado a partir do século XVI por Aersten e Beuckelaer, é igualmente abordado por numerosos contemporâneos de Rembrandt. Os cadáveres de porcos ou de bois esquartejados e suspensos de traves, são frequentemente associados a uma personagem - em geral uma criança - e servem para transmitir a ideia de morte. Este tema fica assim mais ligado à cena de género do que propriamente à natureza-morta.

Rembrandt, talvez o maior pintor flamengo do séc. XVII, mostra-nos a peça como se de um retrato se tratasse: a visão a três quartos é aquela que mais favorece ou informações dá da personagem retratada. A carcaça encontra-se numa espécie de cave, talvez um açougue, num ambiente lúgubre e muito diferente dos talhos que estamos habituados a ver hoje em dia. Está suspensa pelos tornozelos e o externo foi serrado e mantido aberto por uma trave transversal almofadada nas extremidades. O traço é rápido e não se perde em pormenores e a luz, embora difusa, é suficiente para permitir a definição das características anatómicas do malogrado bovino. Existe ainda uma segunda fonte de luz a meia altura, do lado direito, proveniente da divisão contígua e de onde emerge o busto quase imperceptível de uma mulher. Rembrandt inclui quase sempre personagens nas suas obras, não subvertendo, nesse aspecto, a tradição das cenas de matadouro. Porém, entre a versão de 1640 e a de 1655 (aqui apresentada), o papel do personagem foi alterado. A mulher do açougueiro, limpando o sangue derramado sem dar atenção à carcaça do animal, mantém-se agora em segundo plano, contemplando o boi esfolado do vão da porta e fazendo com que o mesmo pareça monumental e como que projectado para diante.

Não será abusivo comparar este animal abatido - pendurado no madeiro e exibido de peito aberto - a uma crucificação. Se assim fosse, a visão alegória transformaria um mero pedaço de carne no corpo torturado e mutilado de Cristo e o tema assumiria um carácter edificante aos olhos dos contemporâneos do pintor. No entanto, o boi esfolado tornar-se-á apenas "pitoresco" no início do século XVIII, e finalmente será considerado brutal e vulgar no final desse mesmo século. Teremos que esperar pelo século XIX para ver os pintores "copiarem" o mestre, prestando-lhe homenagem: Delacroix, Herbier, Daumier e ainda, mais próximos de nós, Soutine, Fautrier e Francis Bacon.

Porções deste texto foram adaptadas de Pierre Cabanne, Rembrandt, Lisboa: Editorial Verbo, 1993, p.112. Tradução de Maria João Leal de Faria.

Churchill's famous quote

2011-10-07T18:39:00.000+01:00

“Always remember, a cat looks down on man,
a dog looks up to man, but a pig will look man
right in the eye and see his equal.”

Jazz for Cows

2011-10-04T19:27:00.000+01:00

by The New Hot 5 New Orleans-style Jazz Band.

És um animal, Viskovitz !

2011-10-01T05:08:00.000+01:00

Estás a perder a cabeça, Viskovitz!

"Como era o papá?", perguntei à mãe.
"Crocante, um pouco salgado, rico em fibras."
"Antes de comê-lo, quero dizer."
"Era um tipozeco inseguro, ansioso, nevrótico, um pouco como todos vocês, rapazinhos Visko"

Sentia-me mais do que nunca próximo daquele pai que nunca tinha conhecido, que se tinha desfeito no ventre da minha mãe enquanto eu era concebido. Do qual não recebi calor, mas calorias. Obrigado papá, pensei. Sei o que significa, para um mantídeo, sacrificar-se pela família. Parei por um momento em recolhimento em frente ao seu túmulo, ou seja, à minha mãe, e recitei um miserere.

Um pouco depois, já que quando pensava na morte não deixava de procurar uma erecção, julguei que tivesse chegado o momento de me juntar a Lubja, o insecto que eu amava. Tinha-a conhecido há cerca de um mês, no casamento da minha irmã, que era ao mesmo tempo o funeral do meu cunhado, e fiquei preso da sua cruel beleza, Desde então tínhamo-nos continuado a ver. Como foi possível? Deus abençoou-me com o dom que é mais apreciado por nós, mantídeos: a ejaculação precoce, condição necessária de cada não efémera história de amor. Na primeira semana só tinha perdido um par de patas, as raptatórias, na segunda o prototórax com os seus anexos para o voo, na terceira...

"Não o faças, Visko, por amor de Deus", começaram a gritar-me os meus amigos Zukotic, Petrovic e Lopez, empoleirados nos ramos mais altos. Para eles a fêmea era o demónio, a misoginia uma missão. Eram sexualmente desviados ou disfuncionais desde a metamorfose, mastigando pétalas e recitando salmos. Eram muito religiosos.

Mas não havia uma reza que me pudesse parar, não agora que sentia o suspiro gélido da minha amada, o sombrio rumor das suas membranas, o seu fúnebre e sarcástico sorriso. Movi-me freneticamente em direcção àqueles sons, com a única pata que me sobrou, apoiando-me na minha erecção, esforçando-me para visualizar a glória das suas formas, agora que não podia vê-las porque não tinha mais antenas, agora que não podia beijá-las porque não tinha mais palpos.

Por ela já tinha perdido a cabeça.

Alessandro Boffa
És um animal, Viskovitz!
Tradução: Tiago Guerreiro da Silva
LIVRODODIA Editores, Torres Vedras, 2010, pp.25-26

Guia dos Animais - Mordillo

2011-09-28T12:20:00.001+01:00

Guia dos Animais - MORDILLO

Rapariga com cão branco - Lucien Freud

2011-09-24T08:31:00.008+01:00

Lucien Freud (1922-2011)
Rapariga com cão branco, 1950-1
Óleo sobre tela, 76,2 x 101,6
Tate Britain Gallery, London

Esta é a última de uma série de obras em que o pintor representa a sua primeira mulher, Kathleen Garman, filha do escultor modernista Jacob Epstein. A cena, pintada em tons pálidos e neutros, é simples e algo triste. Kitty, que estava grávida, posa num sofá às riscas e envolta num robe amarelo que lhe descobre o seio direito. A modelo é empurrada para a extremidade do sofá - e também do quadro - porque um bull terrier repousa sobre a sua perna. A mulher e o cão revelam uma quase cumplicidade e fitam-nos calma mas intensamente.

Freud procura - ao colocar o cão que tinha sido uma prenda de casamento no centro do quadro - uma referência clássica da pintura ocidental à virtude da fidelidade. Trata-se, de facto, de uma poderosa imagem da fidelidade esponsal, com a mão direita de Kitty pousada sobre o coração e uma aliança visível na mão esquerda, mas ensombrada pelo olhar da retratada, no qual se percebe uma imensa solidão.

Freud tornou-se famoso por retratar, com grande domínio e quase obcessão, a compleição do corpo humano, em particular a pele, cujas imperfeições são expostas com crueza. Rapariga com Cão Branco não foge a estas características, como se prova pelos tons subtis que usou para recriar em pormenor a pele de marfim da mulher.

As pinturas de Freud cativam o espectador e arrastam-no para um cenário de intimidade exposta como sob um intensa luz eléctrica. Embora a sua pincelada se tenha tornado mais solta e mais expressiva nos últimos anos, a obsessão pela figura humana manteve-se viva. Neto do criador da Psicanálise, Freud nasceu em Berlim mas foi muito novo viver para Londres, quando os seus pais fugiram da Alemanha de Hitler. Tornou-se cidadão inglês em 1939 e, a par de Francis Bacon, no maior pintor britânico da sua geração.

Adaptado de:
O Livro da Arte, Texto Editora, Lisboa, 1997, p.165
Óscar Faria, Lucien Freud: uma pintura experiência, Público, Supl.P2, 23/09/11

Caladrius, a ave mensageira

2011-09-21T12:20:00.002+01:00

The Hague, MMW, 10 B 25 fol. 28v

Na mitologia medieval, Caladrius era um pássaro branco capaz de predizer o desfecho de uma doença: a ave visitava os doentes no seu leito e se a pessoa estivesse destinada a morrer, o pássaro desviava o olhar (iluminura em cima), mas se a pessoa viesse a sobreviver, o pássaro incorporava a doença (iluminura em baixo) e então afastava-se em direcção ao sol, dispersando-a no ar.

Sloane 3544 f. 24. Ver mais iluminuras aqui.

Desconhece-se a que pássaro corresponde Caladrius, mas poderá ser a uma alvéola branca que tem marcas na cabeça que se podem assemelhar a um crânio, e é considerada mística na Irlanda. Como metáfora cristã, Caladrius representa Jesus, puro (daí a cor branca) e capaz de tirar os pecados dos homens, na forma como a ave chama a si a doença e sobe ao céu.

Wardogs!

2011-09-20T08:43:00.000+01:00

War Dog - A Foreign Policy Photo Essay By Rebecca Frankel. Click here.

See also The Capture of Guam and Semper Fidelis.

The Dog and the Butcher by Jonathan Holt

2011-09-17T20:58:00.002+01:00

The Dog and the Butcher by Jonathan Holt from Jonathan Holt on Vimeo.

Sophia de Mello Breyner - Coral #3

2011-09-14T11:20:00.000+01:00

Neste dia de mar e nevoeiro
É tão próximo o teu rosto.

São os longos horizontes
Os ritmos soltos dos ventos
E aquelas aves
Que desde o princípio das estações
Fizeram ninhos e emigraram
Para que num dia inverso tu as visses

Aquelas aves que tinham
Uma memória eterna do teu rosto
E voam sempre dentro do teu sonho
Como se o teu olhar as sustentasse.

Neste dia de mar e nevoeiro
Sophia de Mello Breyner Andresen (1919-2004)
Coral, 1950
Lisboa: Portugália Editora, s.d., p.58

Ver também Coral #1 e Coral #2

The Book of Barely Imagined Beings

2011-09-11T23:05:00.000+01:00

Ao fazer uma busca diletante na web encontrei um blog que de alguma forma se relaciona com o meu. Chama-se The Book of Barely Imagined Beings - a 21st Century Bestiary, relaciona animais com história e ciência (em especial inteligência artificial) e parece fazer parte de um projecto literário maior. Tão interessantes como os posts são os links que o autor, Caspar Henderson, disponibiliza.

Pintassilgo - Fabritius

2011-09-08T22:58:00.002+01:00

Carel Fabritius (1622-1654)
O pintassilgo, 1654
Óleo sobre madeira, 34 x 23 cm
Mauritshuis (Royal Picture Gallery), Haia

Representado contra um fundo cremoso, um pequeno pintassilgo descansa sobre um poleiro verde. Parece de tal modo real que apetece ir lá tocá-lo. A simplicidade e a intimidade desta pequena pintura quase ofuscam a técnica tromp l'oeil com que foi pintada. Fabritius foi o mais brilhante dos alunos de Rembrandt. No entanto, ao contrário da técnica do seu mestre de pintar a luz contra a sombra, ele pintou objectos escuros em fundos claros. Fabritius prestava grande atenção ao rigor visual. Esta particularidade do seu trabalho pode ter inspirado o artista Jan Vermeer, que foi seu aluno. A composição cuidada da obra que aqui se apresenta e a sua simplicidade espantosa deixam, de certo modo, antever a obra de Vermeer. Fabritius morreu tragicamente, na explosão de um paiol de pólvora, em Delft, quando trabalhava num retrato. Esta obra é uma das poucas que sobreviveram.

Ver também resenção da obra por Andrew Graham-Dixon.

S. Brandão e a Baleia

2011-09-05T12:47:00.002+01:00

S.Brandão, Bestiário, Cambridge, Manuscrito Ii.IV.26 Fol. 54v

Padre e monge, S. Brandão nasceu e viveu durante a época do florescimento do cristianismo celta, que ocorreu do século V ao século VII. Nos relatos da vida de Brandão entrelaçam-se alguns factos reais e grande parte de ficção(...). Sabe-se que viveu e trabalhou sobretudo no Oeste da Irlanda, e que fundou o mosterio de Clonfert, do qual foi abade em ca. 559. Mas a sua fama deve-se às aventuras míticas que foram descritas mais tarde na Viagem de Brandão (Navigatio Sancti Brendani). Este conto do século X conta como Brandão e uma companhia de monges navegavam para ocidente sobre o Oceano Atlântico para uma terra prometida - algumas vezes identificada com as Ilhas Canárias, mas que provavelmente é imaginária. Aí se descrevem as façanhas da companhia. Uma das mais notáveis - e o motivo porque Brandão é associado às baleias - foi o seu desembarque nas costas de uma baleia adormecida, que eles pensaram que fosse uma ilha, para celebrarem a missa da Páscoa. Depois da missa acenderam um fogo para prepararem um banquete, mas o grande animal acordou do seu sono e começou a mexer-se para terror dos marinheiros: apressaram-se a ir para os seus navios e fugiram.

Elizabeth Hallam (Coord.)
Os Santos - como são e como nos ajudam
Tradução: Tânia Sofia Rocha
Livros e Livros, 1998, p.151

Harley 3244 f. 60v. Source

Statuette of a Hippopotamus

2011-09-03T11:20:00.000+01:00

Statuette of a Hippopotamus
Middle Kingdom, Dynasty 12, ca. 1981–1885 b.c.
Egyptian; Middle Egypt, Meir
Faience, H.: 11.2 cm, L.: 20 cm
Gift of Edward S. Harkness, 1917
Heilbrunn Timeline of Art History | The Metropolitan Museum of Art

SEE DESCRIPTION

Theatre of Insects - Thomas Moffet

2011-08-31T20:46:00.002+01:00

Thomas Moffett (1553-1604)
Insectorum sive minimorum animalium theatrum:
olim ab Edoardo Wottono, Conrado Gesnero, Thomaque Pennio.
Londini: ex officinâ typographicâ T. Cotes, 1634.

This is the first natural history book printed in England. Insectorum was based largely on unpublished material gathered nearly a century before by Conrad Gessner (1515-1565), one of the earliest natural history writers. Thomas Penny, an entomologist, owned Gessner's manuscript and added to it for fifteen years. After his death, the manuscript was given to Moffett who completed the work. However, the projected work was not published until thirty years after Moffett's death. The published engravings for Insectorum are among the very few of that era that can be compared to the original drawings because the British Library still holds the original manuscript material.

Simon's Cat

2011-08-27T16:03:00.000+01:00

Babuíno

2011-08-24T10:31:00.001+01:00

Ulisse Aldrovandi
Babuíno
Iluminura italiana medieval

Já aqui falei anteriormente de Axel Munthe (1857-1949). Ele tinha como animal de estimação, entre muitos outros, um babuíno. Hoje tal não seria possível, mas nos finais do século XIX, e antes da génese dos movimentos conservacionistas, era comum possuir espécies exóticas como sinal de ostentação mas sem que isso fosse considerado condenável. Essa experiência de Munthe deu origem ao conto "Ménagerie", de onde é retirado o seguinte parágrafo:

"Talvez o babuíno vos pareça horrendo; sabemos, porém, que é puramente subjectiva a apreciação da beleza, e creio probabilíssimo que por seu lado ele nos ache feíssimos a todos nós. Tendes ganas de rir ao encarar o babuíno; mas procurai ao menos que não o perceba, porque os macacos se irritam quando mofam deles. Este velho babuíno é profundamente infeliz; mais inteligente, como é, que os restantes animais da ménagerie, a sua capacidade de sofrimento é por isso mesmo maior que a deles - já que o sofrimento é função da inteligência de cada um. Só ele atinge a compreensão perfeita do do desesperado da situação em que se vê metido, e a sua incessante actividade de espírito recusa-lhe um relativo esquecimento do mal, que a resignação concede a alguns outros."

Axel Munthe (1857-1949)
Homens e Bichos, 3ª Ed. (1963), p.65
Tradução Portuguesa: António Sérgio
Colecção Dois Mundos
Edição Livros do Brasil, Lisboa

O maior amigo do velho pastor

2011-08-20T09:16:00.002+01:00

Sir Edwin Henry Landseer (1802-1873)
O maior amigo do velho pastor, 1837
Óleo sobre painel de madeira, 45,7 x 60,9 cm
Victoria and Albert Museum, London

Em meados do século XIX, Landseer era o mais bem sucedido pintor animalista de Inglaterra. A sua fama assentava não só na sua extraordinária perícia e técnica mas, especialmente, na sua habilidade para projectar sentimentos humanos e estados de espírito nos animais, "romantizando-os".

O Maior Amigo do Velho Pastor era, sob este aspecto, uma das pinturas mais populares de Landseer. John Ruskin cita-o no primeiro volume do seu Pintores Modernos como prova da premissa que "a melhor pintura é aquela que transmite à mente do espectador o maior número das maiores ideias".

Um caixão fechado jaz em diagonal no centro de uma sala simples, dramatizada por um jogo de luz e sombra. Um cajado no chão lembra a ocupação do falecido. O seu cão está sentado junto ao caixão, descansando desanimadamente a cabeça no lençol que o cobre. Uma vida inteira de confiança e afecto mútuos está concentrada neste motivo, cuja pungência é realçada pela presença de coisas que a morte tornou inúteis.

Os pormenores que aludem à vida do pastor e à tristeza nobre do seu fiel cão, levaram Ruskin a classificar a pintura como "um dos mais perfeitos poemas ou pinturas (uso as palavras como sinónimos) jamais vistas nos tempos modernos".

A pintura da Era Romântica
Igno F. Walther (Editor)
Tradução: Luísa Rodrigues, Lisboa
Taschen,1999, p.82

Sophia de Mello Breyner - Coral #2

2011-08-16T13:12:00.000+01:00

Ouve que estranhos pássaros de noite
Tenho de fronte da janela:
Pássaros de gritos sobreagudos e selvagens
O peito cor de aurora, o bico roxo.
Falam-se de noite, trazem
Dos abismos da noite lenta e quieta
Palavras estridentes e cruéis.
Cravam no luar as suas garras
E a respiração do terror desce
Das suas asas pesadas.

Ouve que estranhos pássaros de noite
Sophia de Mello Breyner Andresen (1919-2004)
Coral, 1950
Lisboa: Portugália Editora, s.d., p.57

Micrographia- Robert Hooke

2011-08-13T13:00:00.000+01:00

Robert Hooke (1635-1703)
Micrographia restaurata
The Copper-plates of Dr. Hooke's Wonderful Discoveries by the Microscop.
London: Printed for and sold by J. Bowles, 1745.

The seventeenth century was the beginning of organized scientific thought in Europe. It was the era of Galileo, Isaac Newton and Johannes Kepler. In the seventeenth century, zoology books began to move from bestiaries and mythical beasts into the more rational and organized world of natural science. The most important invention of the seventeenth century in zoology was the microscope, which enabled scientists to see things in a whole new way. The illustration of microscopic discoveries allowed Robert Hooke in Micrographia (1665) to show common insects as never before seen.

Robert Hooke's famous work on the microscope was published in 1665. It is known for its spectacular copperplate engravings of the miniature world, particularly its fold-out plates of insects, and the text itself reinforces the tremendous power of the new microscope. Micrographia restaurata (restored) was a re-issue of Hooke's original plates with an abbreviated and updated commentary.

ANONANIMAL

2011-08-07T08:55:00.000+01:00

I see a sea anemone
The enemy
See a sea anemone
And that'll be the end of me.

While the vicious fish was caught unawares in the tenderest of tendrils
Underneath her tender gills

I will become this animal
Perfectly adapted to the music halls
I will become this animal
Anomalous appendages
A non-animal

Hold on just a second
Don't tell me this one you know
I know this one I know this song
I know this one I love this song
Hold on just a second
Don't tell me this one you know
i know this one I know this song
I know this one I love this song
I know this one

Underneath the stalactites
The troglobites lost their sight
Uh oh

The seemingly innocuous plecostomus
though posthumus
They talk to us
They talk too much

See a sea anemone
The enemy
See a sea anemone
That'll be the end of me
Vicious fish was caught unawares
In the tend'rest tendrils
Underneath her tender gills and

I will become this animal
Perfectly adapted to a music hall
I will become this animal

Anomalous appendages
A non-animal

Oficial da Guarda Imperial a Cavalo - Géricault

2011-08-03T10:41:00.006+01:00

Théodore Géricault (1791 – 1824)
Oficial da Guarda Imperial a Cavalo (Chasseur), 1812
Óleo sobre tela, 292 x 194 cm
Musée du Louvre, Paris

Géricault participou pela primeira vez na exposição do Salon de Paris em 1812 com o Oficial da Guarda Imperial a Cavalo, que o tornou famoso da noite para o dia. O motivo foi originalmente inspirado por um cavalo que se tinha empinado subitamente no meio da multidão numa feira de Saint-Cloud. A visão causou tal impacto a Géricault que nessa mesma noite começou a fazer esboços sobre tela.

A pintura brilhantemente colorida daí resultante, em vez de representar um indivíduo famoso ou um episódio verídico, personifica o militar e a guerra per se. O alazão galopando diagonalmente para o interior da pintura remonta às tradições do barroco, onde Géricault foi também buscar uma abordagem à pintura baseada nos valores expressivos da cor e da luz.

Contudo, nas suas mãos, a cor e a luz foram utilizadas não para glorificar o tema mas para transmitir a sua aparência visual, o sentido de movimento e transitoriedade de uma situação fugazmente vislumbrada. Para a concretização deste objectivo, até a precisão anatómica foi sacrificada, porque nenhum cavaleiro poderia manter-se sobre um cavalo da maneira que Géricault, cujo conhecimento de cavalos e equitação era profundo, aqui descreve. O fundo consiste num plano atmosfericamente agitado, que confere ao ataque do oficial uma aparência misteriosa como se fosse dirigido ao vazio, à intangibilidade, dando-lhe conotações quase cósmicas.

A pintura da Era Romântica
Igno F. Walther (Editor)
Tradução: Luísa Rodrigues, Lisboa
Taschen,1999, p.98

O Galo tecendo a manhã

2011-07-31T20:12:00.000+01:00

O Galo
Isabel Vacas de Carvalho, 2011
Papel e Acrílico sobre tela, 120 x 150 cm

Um galo sozinho não tece uma manhã:
ele precisará sempre de outros galos.
De um que apanhe esse grito que ele
e o lance a outro; de um outro galo
que apanhe o grito de um galo antes
e o lance a outro; e de outros galos
que com muitos outros galos se cruzem
os fios de sol de seus gritos de galo,
para que a manhã, desde uma teia tênue,
se vá tecendo, entre todos os galos.

E se encorpando em tela, entre todos,
se erguendo tenda, onde entrem todos,
se entretendendo para todos, no toldo
(a manhã) que plana livre de armação.
A manhã, toldo de um tecido tão aéreo
que, tecido, se eleva por si: luz balão.

João Cabral de Melo Neto (1920-1999)
Tecendo a manhã
Editora Nova Fronteira

European Fish Week Photo Exhibition #2

2011-07-28T12:13:00.000+01:00

Terry Guilliam & Spider Crab
OCEAN 2012
European Fish Week 2011 - Back to the Future
June 4-12 2011

Dogs in Art

2011-07-25T10:53:00.000+01:00

Gato Morto - Géricault

2011-07-21T10:18:00.000+01:00

Jean Louis André Théodore Géricault (França, 1791 – 1824)
O Gato Morto (Le Chat Mort), c.1820
Óleo sobre Tela
Musée du Louvre, Paris

O pintor do Romântico Theodore Géricault, autor do assombroso “Jangada do Medusa” e mestre de Delacroix, pintou em 1820 um gato morto. Não é um motivo romântico, diga-se, e a comparação com o “Agnus Dei” de Zurbarán torna-se inevitável.

O realismo sem precedentes dos seus retratos e pinturas de animais fundamentava-se num intensivo estudo da vida - no campo, em corridas de cavalos, em estábulos e em festividades públicas. Se Géricault não tivesse intitulado o quadro, alguém mais jovial ou distraído poderia pensar tratar-se do instantâneo de um preguiçoso felino. Sem recorrer a eufemismos estéticos, o autor não nos apresenta o animal dignamente amortalhado num ambiente bucólico mas sim numa sala escura e vazia, pendendo na esquina de um estreito móvel, insuficiente para o suster condignamente. Géricault não nos deixa dúvidas: a natureza neste caso limita-se a um gato. Morto.

Apesar desta aparente crueza, o quadro prende-nos pelo seu pendor realista. Nada nos distrai da presença cadavérica do gato cinza malhado que parece pender para além da superfície do quadro, muito perto de nós. Géricault consegue transmitir esta sensação de tridimensionalidade através da técnica de trompe l’oeil que magnifica os contrastes entre o animal e fundo. Observe-o demoradamente: o gato, tombado em decúbito lateral, projecta o seu membro anterior direito na nossa direcção que galga os limites bidimensionais da tela até nos alcançar. Temos a sensação de lhe podermos amparar a cabeça inerte e fechar a boca entreaberta.

O realismo cru de “Gato morto” eleva-o ao estatuto de quase humano e provoca em nós um vazio que se projecta na opacidade negra do fundo. A sensibilidade de quem vê torna o gato vivo e a sua humanidade emociona-nos. Apaixonado por cavalos e pela equitação, Géricault morreu muito novo, aos 32 anos, em consequência de um grave acidente a cavalo que o deixou em sofrimento durante quase um ano.

'Lost' Frog Found on Borneo

2011-07-18T23:56:00.002+01:00

Read the story

La Fontaine - The grasshopper and the Ant

2011-07-15T13:38:00.000+01:00

Source

Sanfermines - Pamplona

2011-07-12T22:29:00.001+01:00

Ver site oficial ou a fotogaleria FUGAS À frente dos touros em Pamplona.

Deitados aos meus pés

2011-07-09T11:12:00.000+01:00

Sir Edwin Henry Landseer (1802-1873)
Sleeping Bloodhound, 1835
Óleo sobre tela 101,6 x 127,0 cm
Tate Gallery, London

“(…) deitados aos meus pés, olhavam-me com olhos líquidos de amor e devoção, mas que sabem os cães das tormentas e amores dos humanos? Dão-lhes uma devoção sem limites, são as testemunhas mudas das nossas inquietações e perguntam-nos com os olhos fiéis: que podemos nós fazer para que voltes a acariciar-nos, a correr connosco, a atirar-nos um osso, a deixar-nos enrolar no sofá?”

in Quénia – um leve sopro do destino, de Maria Helena Maia

Obrigado à Sónia da Veiga pela ideia.

Animais de Estimação: Estação Imagem /Mora 2011

2011-07-06T16:38:00.000+01:00

Valter Vinagre: Reportagem Animais de Estimação
2º Prémio Ambiente Estação Imagem / Mora 2011
Exposição Fotojornalismo 2011
Centro Português de Fotografia
Antiga Cadeia da Relação, Porto
18 Junho - 25 Setembro 2011

Arte minóica

2011-07-03T10:47:00.001+01:00

Coevos dos egípcios, mas só desvendados em finais do século XIX, os habitantes de Creta desenvolveram uma das primeiras e mais isoladas civilizações mediterrâneas. A civilização minóica remonta à idade do Bronze antes, portanto, da grega ou da micénica. Apesar de serem civilizações distintas, a cultura minóica inspirou a helénica com as suas crenças e mitos, como é o caso da lenda do Minotauro. Terá sido em Creta numa gruta do monte Ida que nasceu Zeus, o Deus dos deuses e pai de Minos, rei mítico da Ilha de Creta e que deu o nome a esta civilização.

Ocupando uma posição estratégica no Mar Mediterrâneo e na confluência dos três continentes na altura conhecidos, a civilização minóica era extremamente evoluída como provam as ruínas de numerosos palácios e o domínio da arte de navegação. Mas veio a sucumbir devido a guerras e a erupções vulcânicas devastadoras na bacia do Mediterrâneo.

O Palácio de Cnossos foi o único que sobreviveu, após sucessivas reconstruções através dos tempos. Neste palácio podemos ainda apreciar pinturas murais que retratam golfinhos, perdizes e cenas tauromáquicas. Usando uma técnica mista de fresco e têmpera, os golfinhos foram retratados com cores puras e profundas nadando em harmonia com pequenos peixes. Retratam golfinhos-riscados (Stenella coeruleoalba) aos quais o artista tomou a liberdade de acrescentar um bico de pato e listras vermelhas longitudinais. O golfinho-riscado do Mar Mediterrâneo, apesar de não ser uma espécie ameaçada, sofre uma crescente pressão devido a doenças, poluição e captura acidental em redes de pesca.

The Wind in the Millows

2011-06-30T20:45:00.001+01:00

The opening titles to the 1980s Cosgrove-Hall television series of The Wind In The Willows, based on the characters in Kenneth Grahame's novel and a spin-off of the movie-length version of the book produced by Cosgrove-Hall in 1983. The theme tune is sung by the wonderful Ralph McTell.

O Mocho e o Lobo

2011-06-27T12:09:00.000+01:00

O Grupo de Trabalho de Aves Nocturnas da SPEA apresenta algumas histórias, lendas e ditados populares sobre mochos, corujas e outras aves nocturnas. Aproveite as noites quentes de Verão e tenha um serão à antiga, em família - O mocho e o lobo, conto popular português, é uma boa forma de começar. E já agora, um desafio - partilhe as suas histórias, ajudando a desfazer mitos antigos, e envie-as para nocturnas@spea.pt.

Prémio Estação Imagem / Mora 2011

2011-06-24T11:25:00.000+01:00

Nelson Aires: Reportagem Leandro
Prémio Estação Imagem / Mora 2011
Centro Português de Fotografia
Antiga Cadeia da Relação, Porto
18 Junho - 25 Setembro 2011

Leão medieval - Villard de Honnecourt

2011-06-20T16:49:00.002+01:00

Villard de Honnecourt (França, ca. 1225 - ca. 1250)
Leão Desenhado Vivo, 1235
Caneta em Pergaminho, 24 x 16 cm
Bibliothèque National de Paris, França

Estamos no Séc XIII, em plena Idade Média. O Renascimento europeu ainda levaria mais duzentos anos a chegar e a criação artística centra-se na construção de imponentes catedrais e na arte sacra a elas associada. O artista ou se quisermos, o artífice, não representa o que vê, mas antes constrói o seu trabalho para ilustrar a visão dogmática do mundo.

É neste contexto que o francês Villiard de Honnecourt se entretem a desenhar um leão, de frente e de perfil. Nos caracteres inscritos na perpendicular do desenho de perfil, o autor assegura-nos que o animal foi pintado em vida. Embora possa não ser verdade, esta garantia serve para informar o homem medieval de que não se trata de um animal mitológico, fruto da fantasia, mas antes de uma experiência real do artista. O estilo é simples mas fiel. A proporção da fera em relação ao domador e aos seus cães é credível e Villiard de Honnecourt não se perde em pormenores grotescos ou bizarros mas limita-se a retratar a besta aprisionada, para gáudio da população. Tendo em conta que estamos em 1235, é surpreendente a representação naturalista de tão temido felino e que só encontrará paralelo no rinoceronte de Dürer, duzentos e oitenta anos mais tarde.

As imagens aqui representadas pertencem a um portfolio de 33 folhas em pergaminho, uma espécie de diário de viagem, onde este diletante personagem medieval desenhou de forma dispersa e não sistemática animais, figuras humanas, edifícios, monumentos e engenhos diversos. Pouco se sabe quer sobre a vida do seu autor quer sobre a razão que o levou a realizar e compilar estes desenhos e inscrições. Postulou-se que seria arquitecto ou clérigo mas são apenas conjecturas feitas a partir do conteúdo desta colecção de esquiços que sobreviveu, incompleta, ao passar dos séculos.

Sophia de Mello Breyner - Coral #1

2011-06-17T13:29:00.000+01:00

Credits: Paul Bruins. See more photos from author

Dia do mar no ar, construído
Com sombras de cavalos e de plumas

Dia do mar no meu quarto - cubo
Onde os meus gestos sonâmbulos deslizam
Entre o animal e a flor como medusas.

Dia do mar no ar, dia alto
Onde os meus gestos são gaivotas que se perdem
Rolando sobre as ondas, sobre as nuvens.

Dia do mar no ar, construído
Sophia de Mello Breyner Andresen (1919-2004)
Coral, 1950
Lisboa: Portugália Editora, s.d., p.17

Saint Brendan and the Whale

2011-06-14T21:57:00.001+01:00

Engraving, Navigatio Sancti Brendani ,XVI Century

The pre-Columbian voyages to the Garden of America - by the Phoenicians, the Vikings, the Irish, the Greeks (Euphemus the Greek navigator in the 2nd century ACE) the Welsh (Madoc), the Chinese (as found in the Shan Hai King or Shanhai Jing, adapted, enlarged, engorged fictional classic some 3,000 years old), the Japanese and English - mostly have frothy, creamy icings over a rich, textured legend. One of the frothiest belongs to Saint Brendan (c. 484 – c. 577), the Irish priest (called "the Navigator", "the Voyager", or "the Bold") whose voyage to America was particularly enhanced and layered as he arrived on the back of a whale sometime in the 530’s.

A Salamandra e o Fogo

2011-06-11T01:49:00.000+01:00

Mal conhecidos ou ignorados durante séculos, os anfíbios passaram a ser encarados a partir da Idade Média como uma fonte de medos e crenças, frequentemente conotados na cultura judaico-cristã como seres diabólicos e ingredientes de bruxaria. Os mitos sobre anfíbios foram-se propagando e povoando a sociedade com imagens negativas e aversão. Apesar destas crenças carecerem de qualquer significado biológico, e de poderem ser facilmente desmontadas pela ciência, perduraram até aos dias de hoje. Em muitas regiões rurais continua a acreditar-se que os anfíbios são responsáveis por males de pele, mau olhado e prejuízos para a agricultura.

A salamandra, em particular, preserva uma imagem diabólica, associada aos segredos dos alquimistas e ao fogo. Em muitos mitos, acredita-se que estes animais da família dos Urudelos nasçam do fogo, que possam atravessá-lo sem se queimar e até alimentar-se dele.

Na realidade, a salamandra gosta de se esconder em troncos ocos para perservar a humidade da pele, e dos quais foge rapidamente quando são incendiados, dando a falsa sensação de "surgir do fogo". Esta é também a origem do nome salamandra para os tradicionais recuperadores de calor.

Noutros mitos, a salamandra é considerada muito venenosa, capaz de envenenar para sempre a água de um poço e matando todos os que dela beberem. De facto, a pele possui glândulas que segregam substâncias tóxicas, mas que só se libertam se o animal for atacado e não representam um perigo para o homem Não é difícil de imaginar, no entanto, que este ser furtivo e viscoso fosse considerado culpado por intoxicações causadas pelo consumo de águas inquinadas.

A imagem de um homem deitado sob uma árvore, cuja origem não pude determinar, relaciona-se com a iconografia cristã da Árvore de Jessé. Uma salamandra - que mais parece um dragão - emerge de um fogo e sobe à árvore para corromper os seus frutos. Um homem come o fruto da árvore e cai, envenenado.

Fé nos Burros

2011-06-08T23:49:00.000+01:00

O Fotógrafo João Pedro Marnoto tem andado por Trás-os-Montes, de aldeia em aldeia, atrás do gado asinino, e o resultado é o livro de retratos Fé nos Burros. O Projecto conta com a colaboração da Associação para o Estudo e Protecção do Gado Asinino. Vejam também a reportagem da Teresa Firmino no suplemento P2 do jornal Público de 6 junho 2011.

I AM AN ANIMAL

2011-06-05T21:17:00.000+01:00

I AM from TronicStudio on Vimeo.

Tronic directed and animated this spot on the loss of nature in our increasingly man-made landscape. I AM shows a bleak future, where animals, now a recent memory, are constructed from detritus. This is their plea to us.

European Fish Week Photo Exhibition

2011-06-03T10:05:00.000+01:00

A sample of common bycatch species from a prawn trawler.

A wide range of species are caught unintentionally during a typical three hour trawl. These animals are discarded dead or dying. As well as being an incredible waste of fish, bycatch severely disturbs the composition of marine environments.

European Fish Week 2011 - Back to the Future
June 4-12 2011

A lenda de S. Jorge e o Dragão

2011-05-31T10:44:00.001+01:00

Paolo Ucello (1397-1475)
A luta de S. Jorge contra o Dragão, c.1470
Óleo sobre tela, 57 x 73 cm
National Gallery, Londres

Jorge foi um soldado-santo, venerado no Leste logo após ter sido decapitado na Palestina devido à sua fé. Apesar da sua popularidade muito divulgada como personificação da cavalaria cristã, o seu martírio é o único acontecimento da sua vida que pode ser aceite como facto histórico. Das muitas lendas que o rodeiam, a mais conhecida é a da sua batalha com um dragão quando se dirigia para a Terra Santa.

De acordo com a Tradição, os cidadãos de Silene, na Líbia, eram aterrorizados por um dragão que vivia num lago ou pântano, envenenando o ar da cidade com a sua respiração. Para acalmar o monstro, os Silenenses ofereciam-lhe primeiro duas ovelhas por dia e depois duas crianças, que eram escolhidas por sorteio. A filha do rei, a princesa Cleolinda, acabou por ser também escolhida. Quando caminhava para o dragão, vestida como noiva, encontrou Jorge que prometeu salvá-la pelo poder de Jesus Cristo. Atravessou o dragão com a lança e, usando o cinto de Cleolinda como trela, levou-o à cidade como se fosse um cão doméstico, matando-o depois. Gratos pela libertação de Silene, 15 mil homens forma baptizados nesse mesmo dia. Jorge deu a sua recompensa à Igreja, aos padres e aos pobres e continuou a sua viagem.

Embora fosse conhecido em Inglaterra e na Irlanda nos Séc. VIII e IX, a sua popularidade e o seu padroado dos soldados ficaram firmemente estabelecidos no Séc. XI quando os cruzados que regressavam descreverem que ele tinha aparecido ao exército cristão numa visão antes da derrota dos sarracenos em 1098. Foi adoptado como Santo Padroeiro de Inglaterra no Séc. XIV.

Elizabeth Hallam (Coord.)
Os Santos - como são e como nos ajudam
Tradução: Tânia Sofia Rocha
Livros e Livros, 1998, p.88

La Fontaine - The Crow and the Fox

2011-05-28T13:32:00.001+01:00

Source

Audubon - The Birds of America

2011-05-25T12:46:00.003+01:00

John James Audubon, 1785-1851.
Blue Jay (Corvus cristatus), Plate 231
The Birds of America: From Original Drawings
Reissued by J. W. Audubon; chromolithography by J. Bien.
New York: Roe Lockwood & Son, 1860.

La Fontaine - A Garça

2011-05-22T10:30:00.000+01:00

Ohara Shoson (1877-1945)
Cinco garças na neve , 1927
Xilogravura, 36 x 24 cm

A Garça

Pela margem dum rio passeia a garça;
Nas águas transparentes vê brincando
Dona Carpa e Dom Lúcio. Prontamente
Nos dois saltar devera; mas, sem fome,
E, demais, pachorrenta,
Deixa-os fugir; pelo apetite espera.
Pouco tempo depois, este lhe chega.
Do sítio se afastara, ao sítio volta;
Mas tencas vê somente; melhor prato
Deseja. - "Eu comer tencas?!"
Diz com desprezo; e às tencas dá desquite.
Cadozes lhe aparecem: "Não são dignos,
Cadozes, do meu bico!"
Para menos
Teve, porém, de abri-lo; a fome aperta-a,
Não vê como matá-la - e se contenta
Um caracol comendo!

Quem muito quer ganhar, arrisca e perde!

Fábulas de La Fontaine
Tradução: Luís Serrão
Moderna Editorial Lavores, 2ª Ed., pp.247-8

Surprised by Time: A Most Beautiful Red Parrot

2011-05-19T08:55:00.000+01:00

Vittore Carpaccio
The Baptism of Selenites (detail), 1507
Oil on Canvas, 285 x 141 cm

Surprised by Time: A Most Beautiful Red Parrot: "In the summer of 1485, diplomat Giovanni Dario and the Ottoman court had to attend the hunting camp of the Sultan, Beyazid II. The weather w..."

As Vidas dos Animais

2011-05-16T00:25:00.001+01:00

J.M.Coetzee
As Vidas dos Animais
Temas & Debates, 2000

SINOPSE: A crueldade praticada diariamente com os animais consome de tal forma a romancista Elizabeth Costello que ela já não consegue olhar nos olhos os seres humanos: estes parecem-lhe conspirar num crime que ocorre nas quintas, matadouros, fábricas e laboratórios de todo o mundo. O filho da escritora orgulha-se da sua obra literária, mas receia a palestra sobre direitos dos animais que a mãe foi convidada a proferir na faculdade onde é professor, já que ela defende que o raciocínio humano está sobrevalorizado e a incapacidade de raciocinar não diminui o valor da vida...

Camel swallowing a Vet

2011-05-13T23:09:00.000+01:00

Read the story

A Peste Negra e os Animais #3

2011-05-10T14:40:00.000+01:00

"Novamente, o sofrimento dos moribundos ecoa na noite. A peste mata novamente em Amesterdão, vinte e dois mortos na semana passada no porto e no Jordaan. Ao limparem os canais da epidemia os ratos morrem também. As milícias disparam sobre os gatos e os cães sem trela que brigam pelas ruas, antes que os miasmas da peste, encondidos no seu pêlo, infestem todas as casas da cidade."

Sylvie Matton
Eu, a Puta de Rembrandt, pp.126-7
Lyon Multimedia Edições, Lda, 2000
Trad.: Maria Lucília Filipe.

Ver também A Peste Negra e os Animais #1 e #2.

Mouseland - Tommy C. Douglas

2011-05-07T21:52:00.000+01:00

A fábula Mouseland (em português: "Ratolândia") foi inicialmente contada por Clarence Gillis e mais tarde popularizada em discurso por Tommy Douglas, político canadiano. A fábula expressava a visão de que o sistema político canadiano estava viciado, pois oferecia aos eleitores um falso dilema: a escolha de dois partidos, dos quais nenhum representava os interesses do povo.
Na fábula, os ratos (o povo canadiano) votavam nos gatos negros (Partido Progressivo Conservador) e depois de algum tempo descobriam o quão difícil suas vidas eram. Depois votavam nos gatos brancos (Partido Liberal) e assim ficavam alternando entre os dois partidos.
Um dos ratos tem então a ideia de que os ratos deveriam formar seu próprio governo...

Fonte: Bloquista

John James Audubon

2011-05-05T00:12:00.000+01:00

John James Audubon (1785-1851)
Red fox, The Viviparous Quadrupeds of North America
by John James Audubon and John Bachman. New York: Audubon, 1846-53.

Following the success of his Birds of America, John James Audubon began to gather material for an equally ambitious project to document the animal life of North America. Audubon collaborated with his sons and the Reverend John Bachman, a Lutheran minister and experienced naturalist, who wrote most of the text for the illustrations. As Audubon's health declined during the project, more and more of the work was done by his sons, including most of the coloring of the lithographic plates.

Think Like a Goat ?

2011-05-02T00:06:00.000+01:00

Mitcham, Stephanie & Mitcham, Allison
Think Like A Goat?
Color & B/W illustrations. 46 pgs. Ages 7-11.

Think Like a Goat? is told from an 8 year old boy's point of view. The youngster, a somewhat reluctant visitor to the farm of his veterinarian aunt who raises goats and sheep, is told when he acts up - trying out karate kicks too close to a Boer buck's nose, among other misdemeanors - that he'd better learn to think like a goat if he wants to cope on the farm without injuring himself or the animals. Eventually, after a series of incidents, including the appearance of a coyote, the boy learns to observe the body language of a number of animals, which will undoubtedly stand him in good stead in his encounters with human beings as well.

Dead Horse "lives"

2011-04-28T15:28:00.001+01:00

Modern Mechanix - Dec, 1932

Agnus Dei - Zurbarán

2011-04-25T08:57:00.000+01:00

Francisco de Zurbarán e Salazar (Espanha, 1598-1664)
Agnus Dei (Cordeiro de Deus), 1635-40
Óleo sobre tela, 37,3 x 62 cm
Museo del Prado, Madrid

Estas é uma das seis versões conhecidas do Agnus Dei atribuídas ao pintor do barroco espanhol Francisco de Zurbarán e que faz parte do acervo do Museu do Prado, pese embora não estar exposta ao público. Autor de, na sua maioria, motivos religiosos, Zurbarán fez parte do Século de Ouro da pintura espanhola, contemporâneo de Velázquez, Murillo e Ribera.
Um cordeiro de raça Merino Branco está manietado à guisa de ser tosquiado. Embora Zurbarán tenha certamente desenhado o alegórico animal a partir de um carneiro morto, é sua intenção representá-lo em vida como vítima que, sem soltar um único balido, se entrega ao sacrifício.
A metamorfose divina em cordeiro pode ser encontrada em três passagens do Novo Testamento mas já tinha sido preconizada no Antigo Testamento pelo profeta Isaías (53:7): “Foi oferecido em sacrifício porque ele mesmo quis, e não abriu a sua boca; como uma ovelha que é levada ao matadouro, e como um cordeiro diante do que o tosquia, guardou silêncio e não abriu sequer a sua boca.”

Francisco de Zurbarán e Salazar (Espanha, 1598-1664)
Agnus Dei (Cordeiro de Deus), 1638
Óleo sobre tela, 35,6 x52 cm
San Diego Museum of Art, Califórnia

Na versão conservada no San Diego Museum of Art o anho está aureolado e a sua identificação torna-se linear; o autor dá-nos uma pista evidente que nos obriga a ver algo mais para além do próprio borrego. Mas no quadro de Madrid o silente carneiro não possui auréola mas sim cornos. Será Cristo? Alvíssimo, ele levita sobre um negro profundo que esconde qualquer elemento distractivo. Sustem-se sem tocar em nada, pois não necessita. É iluminado por uma fonte de luz à esquerda que permite uma soberba definição das pequenas idiossincrasias da sua lã e revela-nos o volume do seu corpo e os contornos precisos da sua silhueta. Que uso magistral de uma tão restrita paleta de cores!
Este tratamento da luz, que parece emanar do próprio cordeiro numa alusão directa à sua divina condição, é uma herança de Caravaggio enquanto que a representação realista se deve às influências de Velázquez. É na conjugação destes elementos que reside o talento de Zurbarán talvez como em nenhuma outra obra sua.

The Lamb - William Blake

2011-04-22T22:00:00.002+01:00

Little Lamb who made thee
Dost thou known who made thee
Gave the life & bid thee feed.
By the stream & o'er the mead;
Gave the clothing of delight.
Softest clothing wooly bright;
Gave thee such a tender voice.
Making all the vales rejoice:
Little Lamb who made thee
Dost thou know who made thee

Little Lamb I'll tell thee,
Little Lamb I'll tell thee;

He is called by thy name,
For he calls himself a Lamb:
He is meek & he is mild,
He became a little child:
I a child & thou a lamb,
We are called by his name,

Little Lamb God bless thee,
Little Lamb God bless thee.

William Blake (1757-1827)
“The Lamb” from Songs of Innocence and of Experience (1794)
London: The Folio Society, 1992

Cordeiro Pascal - Josefa d´Óbidos

2011-04-17T14:57:00.002+01:00

Josefa de Óbidos
Cordeiro Pascal, c.1660-1670
Óleo sobre tela, 88 x 116 cm
Museu Regional de Évora

“Frequentemente exposta, esta obra, desde sempre atribuída a Josefa de Óbidos, está neste momento bem estudada, tanto quanto aos objectos representados como quanto à óbvia significação, explícita pela inclusão da citação bíblica: Occisus ab origine mundi (Apocalipse 13, 8), que acentua o carácter salvífico do símbolo cristológico. O cordeiro com a auréola por cima da cabeça, derivado do protótipo zurbaranesco, encontra-se no meio da composição, pousado sobre uma mesa ou altar, prestes a ser imolado. Entre ele e o observador interpõe-se no entanto, à maneira dos flamengos Daniël Seghers e Willeboirst Bosschaert, uma tarja com uma abertura ovalada ao centro a qual funciona como uma moldura. Por cima desta moldura dispuseram-se várias flores que entrelaçam simbolismos marianos e eucarísticos. Eucarístico é obviamente o significado genérico do quadro, já pelo motivo principal, já pelos cachos de uvas brancas e pretas dispostos aos lados e pelas duas espigas de trigo em frente da moldura.

Especiosa é por outro lado esta criação de um nível ilusório de realidade através do tema do quadro dentro do quadro, que não sabemos muito bem como interpretar. A moldura, carregada de símbolos eucarísticos, funciona como uma janela através do qual, sobre o altar, se apercebe o Cordeiro de Deus em toda a sua materialidade simbólica, tão natural como as uvas no primeiro plano e tão simbólico como elas. Melhor não se podia evocar, em pintura, o Mistério da Transubstanciação – e o carácter da espiritualidade barroca. A pintura, uma das obras mais emblemáticas da autora, que demonstra os seus minuciosos dotes de observação naturalista, deve datar dos anos 1660-1670."

Luís de Moura Sobral
A Pintura Portuguesa no século XVII
Catálogo da Exposição, Museu Nacional de Arte Antiga
Lisboa, Instituto Português de Museus, , 2004

Sardinha! Sardinha!

2011-04-14T23:36:00.001+01:00

Guinness horse-drawn transport

2011-04-11T12:30:00.000+01:00

But there is one form of transport that served more faithfully and for longer than any other: the first technology ...?, the horse. Perhaps this is why the horse has always occupied a special place in the hearts and minds of Dubliners. Because from the late 18th century right through to the first half of the 20th, it was the horse who had to transport beers? all over the country. The impressive sight of ...? the horse was not only the most effective and popular form of transport, it was an advertisement in itself, spreading the name and values of the company as well as delivering casks.